1. LA SITUACIÓN DEL TEATRO EUROPEO EN LA EDAD MEDIA.
Tras la caída del Imperio Romano de Occidente, durante el largo período medieval, se produjo un olvido general del teatro clásico. Pero esto no quiere decir que el teatro desapareciera totalmente, ya que sobrevivió el espectáculo teatral o parateatro (bufones, acróbatas y juglares) que se manifestaron bajo formas teatrales ligadas a las fiestas religiosas: Carnavales y Danza de la Muerte.
Hacia el s.XII el arte teatral renace en el interior de las iglesias, en las representaciones que conmemoraban las fiestas cristianas: Navidad y Pascua. Poco después, sale al atrio de las iglesias y más tarde, a la calle y a las plazas.
Tenemos ejemplos en diversos países:
EN FRANCIA- los miracles (historia de un pecador salvado milagrosamente por la Virgen). Miracle de Theophile ( S.XIII) / s. XIV- los misterios y moralidades (de intención didáctica y religiosa) y
EN ESPAÑA-los autos sacramentales y las representaciones teatrales religiosas de Navidad y Pascua.
A partir del s. XIV, por iniciativa de humanistas italianos, resurge el teatro clásico, en latín y después en lenguas romances, escrito para ser leído: la comedia humanística (antecedente de la Celestina, que veremos más adelante) y en las cortes europeas del s. XV nace un teatro cortesano como espectáculo, de temática profana y de inspiración clásica.
2. EL TEATRO EUROPEO DE LOS SIGLOS XVI Y XVII
Vamos a encontrar un desarrollo paralelo en los países europeos: de las formas dramáticas medievales, religiosas o profanas, se pasa, de una parte a manifestaciones de teatro popular (farsas, enredos novelescos o improvisaciones) y, de otra, a formas de teatro culto.
ƒ En Inglaterra y España, el teatro popular es dignificado por Lope de Vega y Shakespeare, triunfando sobre el teatro culto, cortesano.
ƒ En Francia, no surge una figura propia y será el teatro cortesano y de moldes clásicos el que triunfe a partir de 1630.
ƒ En Italia, se cultiva una género de gran repercusión en otros países: la comedia de enredo (mezcla de la comedia de Plauto y Terencio junto con la influencia de los novelistas en la línea de Boccaccio). Ariosto, con varias comedias de tipo terenciano y Maquiavelo con La mandrágora, al estilo de Plauto, son los creadores del teatro culto italiano. Este tipo de comedia proporcionó argumentos, situaciones y tipos al teatro inglés y español.
Pero la gran aportación italiana al teatro es la commedia dell’ Arte, de gran influencia sobre Moliere, entre otros.
No se conocen con certeza sus orígenes, ya que se carece de documentación suficiente. Tres son las hipótesis que se suelen señalar al respecto:
- En primer lugar se indica que se trataría de una evolución de las formas más populares del teatro latino, lafabula atelana, caracterizada por la improvisación en torno a una serie de personajes con caracteres fijos.
- También se apunta al elemento carnavalesco; en este sentido, las máscaras sugerirían la procedencia de la fiesta de Carnaval.
- Por último, algunos piensan que vendría de una simple transformación de la comedia latina; esto es, una vulgarización de la comedia de Plauto y Terencio.
La intención fundamental en este tipo de teatro es la de provocar la risa del público mediante un enredo amoroso. Además, es frecuente que en estas obras aparezcan ciertas dosis de sátira social y política.
Se suele decir que el rasgo más significativo de estas representaciones es la inexistencia de diálogos escritos; sin embargo los actores de la "commedia dell'arte" improvisaban sobre esquemas o argumentos predeterminados en los"canovacci" o scenari que eran una especie de guiones de acciones, algunos muy elementales, que servían de base para la puesta en escena de las obras de las compañías de la Comedia del Arte. En ellos aparecían los temas básicos a desarrollar en la obra, que variaban de pueblo en pueblo. Estos papeles eran colocados detrás de la escenografía donde todos los actores podían leer el asunto de la obra, luego ellos la desarrollaban.
Como parte de este estímulo a la acción teatral surgieron los famosos "lazzis": escenas más o menos breves, siempre en tono humorístico y jocoso, que con o sin palabras se improvisaban en momentos determinados; contenían recursos propios del actor: cantos, acrobacias o determinadas expresiones corporales. Estos elementos proporcionaban un gran dinamismo a las representaciones, con abundantes entradas y salidas, caídas, golpes, equívocos y engaños.
2.1. El teatro isabelino
El florecimiento del teatro en Inglaterra, durante el reinado de Isabel I (1558-1603), se debió fundamentalmente al gran potencial económico del país, a la protección que la corte y la nobleza proporcionó a las compañías teatrales, lo que ayudó a su profesionalización, y a la construcción de locales destinados específicamente al teatro.
Como consecuencia de estos hechos surge el llamado teatro isabelino. Es un ciclo que se extiende desde 1580 a 1642, cuando los puritanos del Parlamento inglés dispusieron el cierre de los teatros.
Las principales características de este periodo son las siguientes:
- Los teatros eran construcciones circulares o hexagonales, en cuyo patio central, rodeado de galerías, se hallaba la escena.
- El público era heterogéneo, pues desde la familia real hasta artesanos y soldados acudían a los espectáculos. Un público que exige emoción y diversión, lo que hace del teatro un hecho comercial
- Los dramaturgos se pliegan a las exigencias del público. Es un teatro vivo y popular.
- Mezcla de prosa y verso y éste polimétrico. Aunque el verso más usado será el libre (“blank verse”).
- Su raíz fundamental es popular, por eso es un teatro al margen de las reglas clásicas (variedad de tiempos y lugares; no se respeta la unidad de acción; no se separan los géneros; ni siquiera se observa la unida de estilo)
- Los géneros preferidos son: la comedia (novelesca, pastoril, fantástica, etc.); la tragedia orientada a suscitar la emoción, al escalofrío (imitaba el modelo de Séneca y su "tragedia de horror"); las tragicomedias y las de tema histórico (este es un género muy característico del teatro isabelino).
- En cuanto a los actores, eran exclusivamente hombres, que representaban todos los papeles.
- Importancia de la figura del “clown” (el gracioso).
Los autores más significativos, excluyendo a William Shakespeare, son:
- Thomas Kyd (1557-1595) autor de una Tragedia española (1592), considerada la primera tragedia de venganza, y de un primer Hamlet.
- Christopher Marlowe (1564-1593), sin duda el primer gran autor del teatro inglés, de quien se puede decir que lo moderniza. Es especialmente importante el tratamiento que realiza del héroe: alguien que pese a tener enormes dificultades lucha para conseguir su objetivo: el saber o el poder. No obstante este héroe terminará de forma trágica pues, para conseguir sus objetivos, ha transgredido todas las leyes humanas y divinas. Su obra más famosa es La trágica historia del doctor Fausto (1588) en la que un hombre vende su alma al diablo para conseguir poder y conocimiento. Es una obra de gran influencia en la cultura occidental posterior y recreada por Goethe, durante el periodo romántico, Thomas Mann en la novela del siglo XX y en la música: un sinfonía de Franz Liszt, una serie de canciones de Richard Wagner, etc.
- Ben Jonson (1573-1637) que escribe un teatro más realista y con intencionalidad moral. Su obra más importante es Volpone (1607) que es un retrato implacable de la codicia, la lujuria y la hipocresía de la sociedad de su época.
En 1642, el Parlamento inglés decreta el cierre de los teatros. Antes se había ido dando un proceso de decadencia de la tragedia inglesa, que se va haciendo cada vez más sofisticada y cortesana y alejada de lo popular. Desde 1660 el teatro recobra plena vigencia; pero es ya un teatro barroco lleno de efectos sorpresa y honor.
William Shakespeare (1564-1616)
Creador del teatro nacional en Inglaterra. Actor, autor y empresario, hombre de teatro, autodidacta, recogerá el teatro de éxito en su tiempo y lo elevará en calidad.
Clasificación de su producción: 36 /37 obras
A. Obras juveniles (1590-1600) producirá obras en la línea de la comedia de enredo y en la línea de la tragedia clásica. A la vez, escribe sonetos amorosos.
- Comedias: Sueño de una noche de verano/ La fierecilla domada
- Dramas históricos: Enrique VI/ Ricardo III
- Otras obras: El mercader de Venecia/ Mucho ruido y pocas nueces / Romeo y Julieta.
C. Época de las grandes tragedias (1603-1608) período de madurez literaria. Hay una visión trágica y desengañada de la naturaleza humana.
- Tragedias: El rey Lear/ Macbeth
- Cuento de invierno/ La tempestad
Estudio de los principales géneros
COMEDIAS. Parte de una fórmula ya consagrada: la comedia de enredo, con influencias de Terencio, mezclando fantasía y realidad, enriqueciendo los personajes, que eran planos.
DRAMAS HISTÓRICOS. Utiliza acontecimientos de la historia de Inglaterra, pero se muestra más interesado por los hombres y sus conflictos que por los acontecimientos, de ahí su alcance universal.
TRAGEDIAS. Modelo claramente alejado del clásico: no hay fuerzas exteriores al hombre sobre las que cargar la responsabilidad de los hechos. Es el hombre quien elige responsablemente su acción. La estructura es similar: una persona de gran virtud y altas cualidades se encuentra en una circunstancia que la somete a prueba. En ella, el espíritu noble deja ver sus flaquezas humanas, pudiendo ser instigado al mal por otros personajes. Así sus personajes son prototipos de sentimientos y pasiones humanas: la duda, la venganza, etc…
Sistema dramático y estilo
- Perfecto encadenamiento de las acciones, que conducen hacia el fin dramático.
- Utilización del destino en algunas obras: Hamlet/ Romeo y Julieta.
- Contrapunto cómico: dignificación del personaje del “clown”- en sus gracias encierra sentencias de hondura filosófica, dentro de una visión crítica y desengañada de la vida.(los sepultureros de Hamlet)
- Variedad de registros en los diálogos: lenguaje solemne, familiar y vulgar. Lenguaje filosófico y lírico. Utilización de los juegos de palabras y de la reflexión sobre el propio lenguaje y su poder para encerrar la realidad del mundo.
- Distanciamiento escéptico de sus personajes, utilizando el juego del “teatro dentro del teatro” (los mismos personajes expresan dentro de las obras que serán representados).
2.2. El teatro francés del “Grand Siècle”
Los géneros medievales religiosos se representaron hasta 1548, en que el Parlamento de París los prohíbe, cerrándose así la normal evolución del teatro que se dio en España e Inglaterra. En ese tiempo se instalan en París los comediantes italianos, cuyas comedias de enredo y dell’ arte influirán en el teatro francés. A la vez, se va extendiendo un fuerte interés por el teatro clásico.
A partir de finales del s. XVI hay varios teatros fijos en París, como el Hotel de Bourgogne o el Palais Royal junto a los teatros reales de los palacios del rey, donde se representan fundamentalmente tragedias. Las compañías se pondrán bajo protección de grandes nobles o de los mismos reyes, como la Troupe Royale de Luis XIII.
Aún con todo, el teatro francés hasta 1630 tiene las mismas características que el inglés y el español.
De 1636 a 1699 se desarrolla el “teatro clásico francés”, fomentado por el desarrollo de una vida social burguesa y ciudadana, una política cultural favorable por parte del estado y el interés de la monarquía en mantener una corte prestigiosa, que protegió el ballet, la ópera y el teatro.
Características:
- ƒ Empleo casi exclusivo del verso alejandrino.
- ƒ Respeto de la tres unidades.
- ƒ Rígida separación de tragedia y comedia.
- ƒ Las obras constan de 5 actos.
- ƒ Se impone el buen gusto, rechazándose todo exceso dramático.
Causas:
- No surge ningún autor francés que consiga una fórmula dramática popular de éxito.
- La protección real sobre el teatro impone gustos clásicos.
- El público se va acercando a estas representaciones cortesanas.
- Importante papel de la Academia francesa, que impone el gusto clásico.
AUTORES:
Pierre Corneille. El verdadero creador de la tragedia clásica francesa. Le Cid
Jean Racine. El más alto representante del clasicismo a la francesa. Fedra
Molière (1622-1673)
Creador de la comedia clásica francesa, que se impondrá con posterioridad a toda Europa.
De formación clásica, recibe una fuerte influencia de la commedia dell’ arte italiana. Actor, autor y empresario, hombre de teatro. Criticado por los preceptistas clásicos, sufrió la mala reputación de los actores, aunque contó con el apoyo real.
Características:
- Su mayor aportación es la farsa y la comedia de enredo. En ellas pretende enseñar a los hombres cómo son sin dejar nunca de divertirlos.
- Destacan sus comedias de caracteres, de profunda crítica social, defiende la razón y el sentido común.
- Busca la verosimilitud, la naturalidad y la penetración psicológica. Destacan ciertos personajes que aparecen en varias obras, como Sganarel y Scapin y los criados, figuras cómicas y sabias.
- Respeta las unidades.
- Sus obras están escritas en prosa o en verso (pareados alejandrinos)
- Variedad de registros, adecuados a los personajes y uso de juegos de palabras.
Temática:
Casi todos los de la comedia moderna y de costumbres: la familia, la educación, la situación de la mujer en la sociedad, el arribismo y el esnobismo burgueses, la falsedad y la hipocresía y la capacidad de autoengaño humano.
Clasificación de sus obras:
a. Farsas: El médico a palos/ El enfermo imaginario/ Las preciosas ridículas
b. Comedias
b.1. Comedias de costumbres: Las escuela de mujeres (crítica de la educación social de la mujer y de los matrimonios impuestos)/ Las mujeres sabias
PRECURSORES DEL TEATRO
Para conocer la literatura de esa época, puedes ver este vídeo de la Literatura española en el siglo XV.
También te recomendamos ver esta presentación sobre La Celestina:
Para leerla, en el Proyecto Gutenberg tienes distintos formatos de e-book.
1.
INFORMACIÓN BIBLIOGRÁFICA
Título: La
Celestina.
Autor: Fernando de Rojas.
Editorial: Cátedra Letras Hispánicas.
Lugar de edición: Madrid.
Fecha de edición: 1992.
Páginas: 353.
Edición: Dorothy S. Severin.
2.
CONTEXTO LITERARIO
La Celestina, nombre por
el que se conoce generalmente la comedia o tragicomedia de Calisto y Melibea,
es una obra creada en el siglo XV, periodo de transición entre la Edad Media y
el Renacimiento. Es un momento crítico en el que las estructuras sociales del
régimen feudal y la ideología medieval se resisten a dejar paso a los nuevos
modelos políticos y a la nueva concepción del mundo, produciendo una
convivencia no siempre pacífica entre las dos corrientes. Fiel reflejo de la
crisis moral, social y cultural de este siglo,
en La Celestina se mezclan lo popular
y lo culto, los personajes humildes y los de condición elevada, el lenguaje
artificioso y el habla popular, la entrega gozosa a la vida y el propósito
moral, lo cómico y lo trágico, en un conflicto cuyo triángulo de protagonistas,
entregados a la vida y arrebatados por pasiones irrefrenables, son arrastrados
a la desgracia y a la muerte.
3.
EL AUTOR
Fernando de Rojas nació en la Puebla de
Montalbán (Toledo) hacia 1475. Estudió Leyes y Humanidades en Salamanca y
ejerció como abogado en Talavera de la Reina, donde contrajo matrimonio y sería
nombrado Alcalde Mayor en 1538. Allí muere en 1541. Parece fuera de duda que
perteneció a una familia de conversos. Su padre fue condenado por la
inquisición en 1488. En 1525 se instruye causa contra su suegro, sospechosos de
prácticas judaizantes. Murió en abril de 1541 y fue enterrado en el convento de
la Madre de Dios.
4.
PROBLEMAS TEXTUALES
Fernando de Rojas asegura en los preliminares
de la obra que halló un manuscrito con el Primer Acto y que decidió
continuarlo. Mucho ha polemizado la crítica con la verdad de este argumento,
aunque en la actualidad se tiende a dar crédito a las afirmaciones del
autor.
En sus
primeros años la obra pasó por diversos estados de elaboración, ya que sufrió
modificaciones y adiciones, hasta que llegó a adquirir su configuración
definitiva:
-La primera edición está fechada en Burgos en
1499. Le faltan hojas y no lleva título. Tiene solo dieciséis actos.
-Las ediciones de Toledo (1500) y Sevilla
(1501) llevan el título de Comedia de
Calisto y Melibea. En ella se añade
una “Carta del autor a un su amigo” y los versos acrósticos donde se declara el
nombre del autor. Consta también de dieciséis actos.
-Las ediciones de 1502 (Toledo, Salamanca y
Sevilla) llevan ya el título de Tragicomedia
de Calisto y Melibea. En ellas aparece un prólogo en el que se justifica el
nuevo título y se añaden cinco actos más.
-La edición de Alcalá (1569) aparece por
primera vez con el título de Celestina.
5.
ANÁLISIS
Género
Por ser un texto exclusivamente dialogado,
sin narración y sin apenas descripciones, unos la consideran una pieza
dramática destinada sólo a la lectura, no a la representación, ya que su puesta
en escena sería muy difícil por los diversos cambios de escenario y por la
larga extensión de la obra.
Por la misma
extensión, por la complejidad de la obra, por los diversos cambios
espacio-temporales y hasta por la penetración psicológica de los personajes,
otros la incluyen dentro de la narrativa, como una especie de “novela
dialogada” o “novela dramática”.
También se
adscribe esta obra a la comedia humanística, género dramático escrito en latín,
iniciado por Tetrarca y pensado para ser leída en voz alta y que se desarrolla
en Italia entre los siglos XIV y XV. Se trata de obras en prosa, que narran los
amores ilícitos que se alcanzan a través de intermediarias. Los nombres de los
personajes son grecolatinos y utilizan acotaciones implícitas, monólogos y el
aparte. Finalmente, la obra se suscribe dentro del subgénero de la
tragicomedia; en ella se presentan pasajes con un toque de humor, como puede
ser la conversación entre Calisto y Sempronio, tras enamorarse de Melibea.
Asimismo aparecen elementos de tragedia, como la muerte de Celestina o la de
los enamorados. También podemos considerar algo cómica la muerte de Calisto
(debido a lo ridículo de la caída y su consecuencia). Sin duda el momento más
triste lo constituye el largo lamento en forma de monólogo de Pleberio, padre
de Melibea, al final de la obra.
Argumento
El joven Calisto, enamorado perdidamente de
Melibea, acude a una vieja alcahueta y hechicera para que ésta consiga la
rendición de su amada. La vieja, una vez
cumplida su misión, muere asesinada por sus propios cómplices, los criados de
Calisto y que a su vez, mueren ajusticiados. Los amantes olvidan pronto estos
tristes sucesos y gozan del amor hasta que un accidente fortuito acaba con la
vida del joven caballero. La muerte de su amado arrastra a Melibea al suicidio.
La obra acaba con el triste lamento de Pleberio, padre de Melibea.
Temas
Aunque la obra presenta una variada red de
núcleos temáticos (muerte, codicia, brujería, etc.) hay uno que sobresale y que
se constituye en eje de la acción dramática: el amor. En la obra la mayoría de
los personajes recuerdan, presencian, viven o desean experiencias de amor
(Calisto-Melibea, SempronioElicia, Pármeno-Areúsa, Areúsa-Centurio, recuerdos
del amor de juventud por parte de Celestina y Pleberio, etc). Podemos hablar de
varios tipos de amor dentro de esta obra:
-Amor cortés entre Calisto y Melibea, que
podemos cómo se manifiesta en la divinización de la amada (Acto I); la
rendición de Melibea (Acto XII); lenguaje cortés de los amantes (Acto XIX); el
padecimiento de los amantes, que ni duermen, ni comen, ni viven; el suicidio de
Melibea (Acto XX).
-Amor sexual, carnal entre los criados de
Calisto y las prostitutas de Celestina, un amor sencillo, directo.
Otros
motivos presentes en la obra son la codicia y la muerte. Los criados y
Celestina pretenden sacar provecho de los amores de Calisto y Melibea
(codicia). Celestina rompe el pacto con los criados, lo que les lleva a la
muerte. El egoísmo de Calisto le hace justificar estas muertes y no renunciar a
la primera entrevista con su amada. La muerte fortuita del joven arrastra
inexorablemente al suicidio a Melibea. Por tanto, a los amantes les ciega la
pasión amorosa y a los criados la codicia.
Otros temas
secundarios que podemos encontrar son la deslealtad de los criados, la
educación de los hijos, la fortuna y el azar, la brujería y la magia, el tiempo
y la fugacidad de la vida, la visión pesimista de la vida.
Estructura
Externamente, la obra consta de la “Carta del
autor a un su amigo”, los versos acrósticos, un prólogo y veintiún actos
precedidos de un breve resumen al que llama “argumento”. Pero esta división
carece de un significado estructural. Nos sorprenden así las diferencias de
extensión y contenido de dichos actos.
En cuanto a
la estructura interna o división temática del contenido de la obra, podemos
distinguir:
-Un prólogo o introducción en el que se
plantea la acción dramática, la declaración de Calisto y el rechazo inicial de
Melibea.
-1ª Parte (Actos I-XII): mediación de
Celestina para satisfacer la pasión amorosa de Calisto y sus resultados y
consecuencias.
-2ª Parte (Actos XII-XXI): del gozo de la
pasión amorosa a las lamentaciones por la muerte de Calisto y Melibea.
Personajes
El hecho de que Rojas no haya empleado
nombres castellanos para sus personajes y todos ellos estén tomados del griego
o del latín, es un rasgo de la Comedia humanística: o Melibea: dulce como la miel. o Calisto: hermoso.
o Pleberio:
pueblo.
La elección de los nombres de los criados
responde a una intención irónica por parte del autor:
o Sempronio:
siempre.
o Pármeno:
permanentemente, fiel. o Elicia: selecto, escogido.
o Areúsa:
orar, suplicar.
Se trata de
personajes perfectamente individualizados, de caracteres bien desarrollados y
no de tipos o esquemas ideológicos. El único personaje no definido es Crito,
uno de los amantes de Elicia. Además, algunos como Pármeno o Melibea,
experimentan una evolución psicológica a lo largo de la obra.
Podemos
formular un esquema mínimo de caracterización tipológica, atendiendo a tres
formas:
-Personajes ricos (amos, señores honrados)
frente a personajes pobres (criados, rameras).
-Jóvenes frente a viejos.
-Hombres frente a mujeres.
Calisto: el joven y
apasionado señor se caracteriza por dos rasgos fundamentales, su locura y
pasión amorosa, que lo hace ser inseguro y sin confianza en sí mismo, y su
egoísmo. Joven mancebo ocioso cuyo único interés en la vida se limita al juego
del amor. Carece de amigos y familiares. Se expresa en un lenguaje artificioso
y cortés.
Melibea: personaje
más atractivo e interesante. Presenta una personalidad compleja y un proceso
evolutivo lleno de dificultades. Es una mujer tremendamente humana, que tentada
por el amor, teme perder su honra y agraviar a sus padres. Si bien se somete a
los deseos de su amante, es ella la que manifiesta el deseo de continuar las
relaciones. Sabe mentir y engañar a sus padres. Preferirá ser buena amante a
mala casada, desea gozar del amor. Celestina:
ha pasado a la historia como arquetipo de la alcahueta, aunque en la obra
ejerce otros oficios: puta vieja, hechicera, lavandera, perfumera,… Media en
las relaciones amorosas entre Calisto y Melibea y Pármeno y Areúsa. El único
móvil que tiene es obtener dinero para garantizarse una vejez segura. Para ello
cuenta con su astucia, un espléndido conocimiento de las pasiones humanas, la
colaboración de los criados y un gran dominio del lenguaje halagando y
elogiando a su interlocutor. Como rasgos propios de su personalidad sobresalen
la moral utilitaria, la avaricia, la falsedad, la deslealtad y, sobre todo, el
arte para seducir y engañar.
Sempronio y
Pármeno: aunque los criados coinciden en su comportamiento primario y
egoísta basado en el engaño, la falsedad, la codicia, la cobardía, la
concupiscencia y la deslealtad, se observan sin embargo diferencias entre
ellos. Sempronio se caracteriza por la misoginia, cobardía, ambición,
agresividad; Pármeno, sin embargo, pasa de ser un criado fiel, comprometido en
la defensa moral y física de su señor, a comportarse como un cínico
aprovechado, sensual y desleal, transformación que se opera gracias a la
atracción que ejercen en él el interés económico y el placer sexual.
Elicia y
Areúsa: las dos jóvenes prostitutas son instrumentos de Celestina. Una y
otra son aleccionadas por la vieja y trabajan por dinero.
Los padres
de Melibea: modelo de padres ingenuos y confiados en la educación que han
dado a su hija. Alisa se presenta con los rasgos de orgullo y soberbia por su
riqueza y posición social. Pleberio se presenta como un personaje cálidamente
humano y esencialmente trágico que ama a su hija con ternura, es comprensivo
con ella y sólo desea su bien. Se limita a lamentarse de la fortuna, del azar,
del mundo…
Otros personajes de escasa relevancia son:
Lucrecia (criada fiel9, Tristán (paje joven), Sosia (criado humilde, ingenuo y
simple), Centurio (soldado bravucón, cobarde y charlatán).
Tiempo
El tratamiento del tiempo en esta obra es
complicado y peculiar. Sorprende al lector sus aparentes contradicciones
temporales. ¿Errores de Rojas? La explicación más plausible es que el autor
intenta “crear tiempo”, transmitir la sensación de que las relaciones amorosas
de Calisto y Melibea se mantienen fielmente durante un periodo extenso de
tiempo. En la obra están presentes dos visiones temporales: -Un tiempo
explícito, que corresponde al desarrollo lineal de los hechos que se
representan y que el lector comprueba por sí mismo.
-Un tiempo implícito, que no se representa ni
transcurre en presencia del lector-espectador. Es un tiempo largo (“muchos
días”, “un mes”).
El esquema temporal podría presentarse así:
1.
Actos I-XV: tres días y parte de otro de acción ininterrumpida.
2.
Lapso de tiempo de un mes de duración (tiempo implícito).
3.
Actos XVI-XXI: un día y parte de otro.
En cuanto al tiempo externo, la acción se
sitúa en el siglo XV y la obra muestra la sociedad de la época, una sociedad en
crisis (el fin del medievo y de la sociedad feudal que da paso a la nueva
organización social, al desarrollo del comercio y al enriquecimiento de la
burguesía). Aparece el mundo de los señores (Calisto y Pleberio que gozan de
una elevada posición económica) y el de los siervos (desvinculados de toda
moral y afecto y preocupados sólo por el dinero).
Espacio
Se barajan varias posibilidades en cuanto a
la localización exacta del espacio urbano: Salamanca, Toledo, Talavera, Sevilla
o Valencia. Lo cierto es que el autor no hizo referencia concreta a ninguna
ciudad. ¿No pretendería Rojas generalizar, universalizar la trama? Las
referencias espaciales concretas se reducen a la Iglesia de la Magdalena, la
torre de Pleberio, el río, el barrio de las tenerías y poco más. Con ello, el
autor pretende dotar a la obra de verosimilitud y realismo.
La obra se
caracteriza por una gran libertad en el tratamiento del espacio dramático:
vitalidad y dinamismo de la acción, multiplicidad de escenarios, simultaneidad
espacial… Los escenarios pueden dividirse en dos grandes grupos: -Escenarios
interiores: las casas de Calisto, Celestina, Melibea, Areúsa y Centurio.
-Escenarios exteriores: las calles y plazas
de la ciudad y el huerto de Melibea.
Lo que
caracteriza a La Celestina es el
constante ir y venir de los personajes, el constante fluir de un lugar a otro,
lo que le acerca, en cierta medida, a la técnica cinematográfica.
Estilo
Fernando de Rojas manifiesta una decidida
voluntad de estilo, un deseo de cuidar y pulir cada una de las palabras, frases
y párrafos que componen su obra. Los principios de la lógica y la claridad presiden
su estilo. La Celestina ofrece un
interés especial como obra de arte del lenguaje: el diálogo, los monólogos, el
aparte, las acotaciones implícitas, el lenguaje erudito y retórico, etc. Todo
ello da muestra de una enorme riqueza lingüística.
El mayor
valor estilístico de la obra estriba en presentar un diálogo variado, vivo y humano (los personajes apenas si reciben
una caracterización inicial, se van desvelando según hablan). Domina la lengua
culta de los ambientes universitarios; conoce la retórica elegante de la
literatura cortesana medieval y de la literatura clásica; y, finalmente, sabe
captar la viveza y el dinamismo del lenguaje del pueblo (refranes,
vulgarismos).
Los monólogos son, habitualmente, extensos
y sirven para manifestar la conflictividad interior de los personajes; no
contribuyen a la acción dramática. Otros monólogos se emplean para indicar el
lugar, la hora o cualquier otra circunstancia espacio-temporal; son las acotaciones
del teatro.
Los apartes son parlamentos de un personaje
que, por convención dramática, no es escuchado por el resto de personajes en
escena, y son herencia del teatro latino de Plauto y Terencio.
Fernando de
Rojas pone de manifiesto su bagaje cultural por medio de tres recursos:
-Citas de sabios, escritores, profetas
(Génesis, Aristóteles, etc).
-Sentencias tomadas de autores clásicos o
humanísticos.
-Alusiones históricas y mitológicas.
Las fuentes de la tradición culta de La Celestina son las siguientes:
-Textos griegos: Heródoto, Epicuro, Museo…
-Textos latinos: Plauto, Terencio, Séneca…
-Textos renacentistas italianos: Tetrarca y
Boccaccio.
Pero también
encontramos fuentes de tradición popular, de textos castellanos como Arcipreste
de Hita, Arcipreste de Talavera, Marqués de Santillana, etc.
Podemos
encontrar recursos lingüísticos del lenguaje elevado como la tendencia a
emplear el verbo al final de la oración, construcciones latinas de infinitivo o
participio, cultismos, amplificaciones, etc.; y también, figuras retóricas como
hipérboles, antítesis, enumeraciones, etc.
En cuanto al
lenguaje popular y coloquial, se caracteriza por el uso de refranes, la ironía,
la descripción grotesca e hiperbólica, insultos y vulgarismos, etc.
6.
CUESTIONES DE COMPRENSIÓN LECTORA
1.
“¿Yo? Melibeo soy, y a Melibea adoro, y en Melibea creo, y a
Melibea amo”. Explica el sentido de esta frase, que es reflejo del carácter y
del estado de ánimo de Calisto. (Acto I).
2.
Analiza los distintos oficios de Celestina, así como los rasgos de
su personalidad a través del retrato de Pármeno y de sus propias palabras.
(Acto
I).
3.
Explica el sentido que tienen estas expresiones cuando Celestina
habla de su vejez (Acto IV).
o “La vejez no es sino mesón de enfermedades” o “Choza sin rama que se llueve por cada parte”
o “Aquel debilitado ver, puestos los ojos a la
sombra”
4.
Analiza la descripción que hace Areúsa de Melibea en la Acto IX y
compárala con la que hizo Calisto en el Acto I.
5.
En el Acto X Melibea hace un monólogo con un elevado tono
feminista. Coméntalo.
6.
Explica los símbolos con que Celestina establece el contraste
entre ella y sus adversarios y qué pretende con ello. (Acto XII).
7.
Analiza los componentes dramáticos de la escena de la muerte de
Calisto, los diversos escenarios, el comportamiento de los distintos
personajes, etc. (Acto XIX).
8.
Haz un inventario de los principales recursos retóricos que
utiliza Pleberio en su monólogo final (Acto XXI).
7.
CITAS Y REFLEXIONA
A lo largo de la obra, el autor intercala
algunas reflexiones a través de los personajes que pueden ser interesantes para
debatirlas, como por ejemplo las siguientes.
Página 90: “¡dejemos llorar al que dolor
tiene que las lágrimas y suspiros mucho desenconan el corazón dolorido!”
(Calisto).
Página 93: “¿Yo? Melibeo soy, y a Melibea
adoro, y en Melibea creo, y a Melibea amo” (Calisto).
Página 134: “Digo, señor, que irían mejor
empleadas tus franquezas en presentes y servicios a Melibea, que no dar dineros
a aquella que yo conozco y lo que peor es, hacerte su cativo” (Pármeno).
Página 159: “Yo dejo un enfermo a la muerte,
que con sola una palabra de tu noble boca salida, que le lleve metida en mi
seno, tiene por fe que sanará según la mucha devoción tiene en tu gentileza”
(Celestina).
Página 343: “¿Por qué me dejaste triste y
solo in hac lacrimarum valle?” (Pleberio).
8.
VOCABULARIO
Encontramos en esta obra un léxico propio de
la lengua del siglo XV, un vocabulario en desuso que podemos analizar para
familiarizarnos con él. Algunos ejemplos destacables pueden ser: inmérito,
gerifalte, huelgo, se enconan, empece, porradas, tráfagos, remedases,
denuestan, conferir, ayuntamientos, faciones, estorcer, tremo, encomiendas,
ahíto, ladrillados, etc.
También
podemos encontrar términos que se usan en la actualidad con otro significado al
medieval, como por ejemplo: estudio (empeño, afán), curando (cuidando), sufrir
(esperar), guarecer (curar), cautivo (infeliz), catar (mirar), copia
(abundancia), fallecen (faltan), calidad (condición), etc.
9.
TALLER DE CREATIVIDAD Y ANIMACIÓN A LA LECTURA
-Supongamos que no te gusta el trágico final
de la obra y tú “metes tercera vez la pluma” y le buscas otro desenlace.
Escríbelo.
-Redacta una noticia periodística en la que
se cuenten los hechos de la obra, cuyo tono sea una mezcla de prensa del
corazón y crónica de sucesos. -Visionado de la película española homónima dirigida en 1996 por
Gerardo Vera y adaptada por Rafael Azcona, cuyos papeles protagonistas están
representados por Terele Pávez, Juan Diego Botto y Penélope Cruz.
-Completa el contexto del siglo XV (historia,
arte, sociedad, cultura, religión, etc).
-Lectura y comprensión de la obra de teatro
de W. Shakespeare, Romeo y Julieta.
Trabajo comparativo de ambos dramas.
-Creación de un texto expositivo o
argumentativo sobre la modernidad de esta obra (feminismo, fracaso de la
educación de los hijos, el amor carnal, etc).
-Consulta de la web: www.museolacelestina.com, donde
podemos visitar el museo que se encuentra en La Puebla de Montalbán, en Toledo.
10.
OTRAS CUESTIONES. OPINIÓN
¿Por qué escribió Rojas su Tragicomedia?,
¿qué pretendía con su publicación? El autor declara su intención moral, pero el
contenido del texto ha hecho que algunos críticos duden de sus palabras. Si
consideramos que las declaraciones del autor son falsas, hipócritas, motivadas
por el miedo a la Inquisición, hemos de llegar a otras conclusiones; la obra
reflejaría, en tal caso, un problema socio-religioso de su tiempo (la
marginación de los conversos), o bien pretendería satirizar las costumbres
amorosas de la época influidas por la literatura del amor cortés (parodia del
amor cortés), etc.
Lo que se
desprende de la lectura de la obra es la
existencia de una crítica real de los siguientes aspectos morales u sociales:
1.
De los comportamientos individuales, basados en las pasiones.
2.
Del mundo corrupto de criados, prostitutas, alcahuetas y rufianes.
3.
De las relaciones sociales entre señores y criados que no
responden ya a la confianza y aprecio del pasado, sino al mero interés
económico.
4.
De la ceguera de los padres en la educación de sus hijos.
5.
Del amor cortés, con su palabrería y divinización de la dama y del
amorpasión, cuyo único objetivo es la satisfacción del deseo sexual.
Es cierto
que la obra nos deja un amargor especial y transmite una visión del caos y del
desorden, una idea de pesimismo moral: ni las relaciones individuales ni las
sociales se desarrollan armónicamente. Además, todo está abocado a la muerte.
He aquí la gran lección moral de Rojas: los personajes que buscan afanosamente
disfrutar de la vida y del amor, se encuentran paradójicamente con la muerte.
En definitiva, Rojas formula una grave censura social y moral de su época.
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