1. LA SITUACIÓN DEL TEATRO EUROPEO EN LA EDAD MEDIA.
Tras la caída del Imperio Romano de Occidente, durante el largo período medieval, se produjo un olvido general del teatro clásico. Pero esto no quiere decir que el teatro desapareciera totalmente, ya que sobrevivió el espectáculo teatral o parateatro (bufones, acróbatas y juglares) que se manifestaron bajo formas teatrales ligadas a las fiestas religiosas: Carnavales y Danza de la Muerte.
Hacia el s.XII el arte teatral renace en el interior de las iglesias, en las representaciones que conmemoraban las fiestas cristianas: Navidad y Pascua. Poco después, sale al atrio de las iglesias y más tarde, a la calle y a las plazas.
Tenemos ejemplos en diversos países:
EN FRANCIA- los miracles (historia de un pecador salvado milagrosamente por la Virgen). Miracle de Theophile ( S.XIII) / s. XIV- los misterios y moralidades (de intención didáctica y religiosa) y
EN ESPAÑA-los autos sacramentales y las representaciones teatrales religiosas de Navidad y Pascua.
A partir del s. XIV, por iniciativa de humanistas italianos, resurge el teatro clásico, en latín y después en lenguas romances, escrito para ser leído: la comedia humanística (antecedente de la Celestina, que veremos más adelante) y en las cortes europeas del s. XV nace un teatro cortesano como espectáculo, de temática profana y de inspiración clásica.
2. EL TEATRO EUROPEO DE LOS SIGLOS XVI Y XVII
Vamos a encontrar un desarrollo paralelo en los países europeos: de las formas dramáticas medievales, religiosas o profanas, se pasa, de una parte a manifestaciones de teatro popular (farsas, enredos novelescos o improvisaciones) y, de otra, a formas de teatro culto.
ƒ En Inglaterra y España, el teatro popular es dignificado por Lope de Vega y Shakespeare, triunfando sobre el teatro culto, cortesano.
ƒ En Francia, no surge una figura propia y será el teatro cortesano y de moldes clásicos el que triunfe a partir de 1630.
ƒ En Italia, se cultiva una género de gran repercusión en otros países: la comedia de enredo (mezcla de la comedia de Plauto y Terencio junto con la influencia de los novelistas en la línea de Boccaccio). Ariosto, con varias comedias de tipo terenciano y Maquiavelo con La mandrágora, al estilo de Plauto, son los creadores del teatro culto italiano. Este tipo de comedia proporcionó argumentos, situaciones y tipos al teatro inglés y español.
Pero la gran aportación italiana al teatro es la commedia dell’ Arte, de gran influencia sobre Moliere, entre otros.
No se conocen con certeza sus orígenes, ya que se carece de documentación suficiente. Tres son las hipótesis que se suelen señalar al respecto:
- En primer lugar se indica que se trataría de una evolución de las formas más populares del teatro latino, lafabula atelana, caracterizada por la improvisación en torno a una serie de personajes con caracteres fijos.
- También se apunta al elemento carnavalesco; en este sentido, las máscaras sugerirían la procedencia de la fiesta de Carnaval.
- Por último, algunos piensan que vendría de una simple transformación de la comedia latina; esto es, una vulgarización de la comedia de Plauto y Terencio.
La intención fundamental en este tipo de teatro es la de provocar la risa del público mediante un enredo amoroso. Además, es frecuente que en estas obras aparezcan ciertas dosis de sátira social y política.
Se suele decir que el rasgo más significativo de estas representaciones es la inexistencia de diálogos escritos; sin embargo los actores de la "commedia dell'arte" improvisaban sobre esquemas o argumentos predeterminados en los"canovacci" o scenari que eran una especie de guiones de acciones, algunos muy elementales, que servían de base para la puesta en escena de las obras de las compañías de la Comedia del Arte. En ellos aparecían los temas básicos a desarrollar en la obra, que variaban de pueblo en pueblo. Estos papeles eran colocados detrás de la escenografía donde todos los actores podían leer el asunto de la obra, luego ellos la desarrollaban.
Como parte de este estímulo a la acción teatral surgieron los famosos "lazzis": escenas más o menos breves, siempre en tono humorístico y jocoso, que con o sin palabras se improvisaban en momentos determinados; contenían recursos propios del actor: cantos, acrobacias o determinadas expresiones corporales. Estos elementos proporcionaban un gran dinamismo a las representaciones, con abundantes entradas y salidas, caídas, golpes, equívocos y engaños.
2.1. El teatro isabelino
El florecimiento del teatro en Inglaterra, durante el reinado de Isabel I (1558-1603), se debió fundamentalmente al gran potencial económico del país, a la protección que la corte y la nobleza proporcionó a las compañías teatrales, lo que ayudó a su profesionalización, y a la construcción de locales destinados específicamente al teatro.
Como consecuencia de estos hechos surge el llamado teatro isabelino. Es un ciclo que se extiende desde 1580 a 1642, cuando los puritanos del Parlamento inglés dispusieron el cierre de los teatros.
Las principales características de este periodo son las siguientes:
- Los teatros eran construcciones circulares o hexagonales, en cuyo patio central, rodeado de galerías, se hallaba la escena.
- El público era heterogéneo, pues desde la familia real hasta artesanos y soldados acudían a los espectáculos. Un público que exige emoción y diversión, lo que hace del teatro un hecho comercial
- Los dramaturgos se pliegan a las exigencias del público. Es un teatro vivo y popular.
- Mezcla de prosa y verso y éste polimétrico. Aunque el verso más usado será el libre (“blank verse”).
- Su raíz fundamental es popular, por eso es un teatro al margen de las reglas clásicas (variedad de tiempos y lugares; no se respeta la unidad de acción; no se separan los géneros; ni siquiera se observa la unida de estilo)
- Los géneros preferidos son: la comedia (novelesca, pastoril, fantástica, etc.); la tragedia orientada a suscitar la emoción, al escalofrío (imitaba el modelo de Séneca y su "tragedia de horror"); las tragicomedias y las de tema histórico (este es un género muy característico del teatro isabelino).
- En cuanto a los actores, eran exclusivamente hombres, que representaban todos los papeles.
- Importancia de la figura del “clown” (el gracioso).
Los autores más significativos, excluyendo a William Shakespeare, son:
- Thomas Kyd (1557-1595) autor de una Tragedia española (1592), considerada la primera tragedia de venganza, y de un primer Hamlet.
- Christopher Marlowe (1564-1593), sin duda el primer gran autor del teatro inglés, de quien se puede decir que lo moderniza. Es especialmente importante el tratamiento que realiza del héroe: alguien que pese a tener enormes dificultades lucha para conseguir su objetivo: el saber o el poder. No obstante este héroe terminará de forma trágica pues, para conseguir sus objetivos, ha transgredido todas las leyes humanas y divinas. Su obra más famosa es La trágica historia del doctor Fausto (1588) en la que un hombre vende su alma al diablo para conseguir poder y conocimiento. Es una obra de gran influencia en la cultura occidental posterior y recreada por Goethe, durante el periodo romántico, Thomas Mann en la novela del siglo XX y en la música: un sinfonía de Franz Liszt, una serie de canciones de Richard Wagner, etc.
- Ben Jonson (1573-1637) que escribe un teatro más realista y con intencionalidad moral. Su obra más importante es Volpone (1607) que es un retrato implacable de la codicia, la lujuria y la hipocresía de la sociedad de su época.
En 1642, el Parlamento inglés decreta el cierre de los teatros. Antes se había ido dando un proceso de decadencia de la tragedia inglesa, que se va haciendo cada vez más sofisticada y cortesana y alejada de lo popular. Desde 1660 el teatro recobra plena vigencia; pero es ya un teatro barroco lleno de efectos sorpresa y honor.
William Shakespeare (1564-1616)
Creador del teatro nacional en Inglaterra. Actor, autor y empresario, hombre de teatro, autodidacta, recogerá el teatro de éxito en su tiempo y lo elevará en calidad.
Clasificación de su producción: 36 /37 obras
A. Obras juveniles (1590-1600) producirá obras en la línea de la comedia de enredo y en la línea de la tragedia clásica. A la vez, escribe sonetos amorosos.
- Comedias: Sueño de una noche de verano/ La fierecilla domada
- Dramas históricos: Enrique VI/ Ricardo III
- Otras obras: El mercader de Venecia/ Mucho ruido y pocas nueces / Romeo y Julieta.
C. Época de las grandes tragedias (1603-1608) período de madurez literaria. Hay una visión trágica y desengañada de la naturaleza humana.
- Tragedias: El rey Lear/ Macbeth
- Cuento de invierno/ La tempestad
Estudio de los principales géneros
COMEDIAS. Parte de una fórmula ya consagrada: la comedia de enredo, con influencias de Terencio, mezclando fantasía y realidad, enriqueciendo los personajes, que eran planos.
DRAMAS HISTÓRICOS. Utiliza acontecimientos de la historia de Inglaterra, pero se muestra más interesado por los hombres y sus conflictos que por los acontecimientos, de ahí su alcance universal.
TRAGEDIAS. Modelo claramente alejado del clásico: no hay fuerzas exteriores al hombre sobre las que cargar la responsabilidad de los hechos. Es el hombre quien elige responsablemente su acción. La estructura es similar: una persona de gran virtud y altas cualidades se encuentra en una circunstancia que la somete a prueba. En ella, el espíritu noble deja ver sus flaquezas humanas, pudiendo ser instigado al mal por otros personajes. Así sus personajes son prototipos de sentimientos y pasiones humanas: la duda, la venganza, etc…
Sistema dramático y estilo
- Perfecto encadenamiento de las acciones, que conducen hacia el fin dramático.
- Utilización del destino en algunas obras: Hamlet/ Romeo y Julieta.
- Contrapunto cómico: dignificación del personaje del “clown”- en sus gracias encierra sentencias de hondura filosófica, dentro de una visión crítica y desengañada de la vida.(los sepultureros de Hamlet)
- Variedad de registros en los diálogos: lenguaje solemne, familiar y vulgar. Lenguaje filosófico y lírico. Utilización de los juegos de palabras y de la reflexión sobre el propio lenguaje y su poder para encerrar la realidad del mundo.
- Distanciamiento escéptico de sus personajes, utilizando el juego del “teatro dentro del teatro” (los mismos personajes expresan dentro de las obras que serán representados).
2.2. El teatro francés del “Grand Siècle”
Los géneros medievales religiosos se representaron hasta 1548, en que el Parlamento de París los prohíbe, cerrándose así la normal evolución del teatro que se dio en España e Inglaterra. En ese tiempo se instalan en París los comediantes italianos, cuyas comedias de enredo y dell’ arte influirán en el teatro francés. A la vez, se va extendiendo un fuerte interés por el teatro clásico.
A partir de finales del s. XVI hay varios teatros fijos en París, como el Hotel de Bourgogne o el Palais Royal junto a los teatros reales de los palacios del rey, donde se representan fundamentalmente tragedias. Las compañías se pondrán bajo protección de grandes nobles o de los mismos reyes, como la Troupe Royale de Luis XIII.
Aún con todo, el teatro francés hasta 1630 tiene las mismas características que el inglés y el español.
De 1636 a 1699 se desarrolla el “teatro clásico francés”, fomentado por el desarrollo de una vida social burguesa y ciudadana, una política cultural favorable por parte del estado y el interés de la monarquía en mantener una corte prestigiosa, que protegió el ballet, la ópera y el teatro.
Características:
- ƒ Empleo casi exclusivo del verso alejandrino.
- ƒ Respeto de la tres unidades.
- ƒ Rígida separación de tragedia y comedia.
- ƒ Las obras constan de 5 actos.
- ƒ Se impone el buen gusto, rechazándose todo exceso dramático.
Causas:
- No surge ningún autor francés que consiga una fórmula dramática popular de éxito.
- La protección real sobre el teatro impone gustos clásicos.
- El público se va acercando a estas representaciones cortesanas.
- Importante papel de la Academia francesa, que impone el gusto clásico.
AUTORES:
Pierre Corneille. El verdadero creador de la tragedia clásica francesa. Le Cid
Jean Racine. El más alto representante del clasicismo a la francesa. Fedra
Molière (1622-1673)
Creador de la comedia clásica francesa, que se impondrá con posterioridad a toda Europa.
De formación clásica, recibe una fuerte influencia de la commedia dell’ arte italiana. Actor, autor y empresario, hombre de teatro. Criticado por los preceptistas clásicos, sufrió la mala reputación de los actores, aunque contó con el apoyo real.
Características:
- Su mayor aportación es la farsa y la comedia de enredo. En ellas pretende enseñar a los hombres cómo son sin dejar nunca de divertirlos.
- Destacan sus comedias de caracteres, de profunda crítica social, defiende la razón y el sentido común.
- Busca la verosimilitud, la naturalidad y la penetración psicológica. Destacan ciertos personajes que aparecen en varias obras, como Sganarel y Scapin y los criados, figuras cómicas y sabias.
- Respeta las unidades.
- Sus obras están escritas en prosa o en verso (pareados alejandrinos)
- Variedad de registros, adecuados a los personajes y uso de juegos de palabras.
Temática:
Casi todos los de la comedia moderna y de costumbres: la familia, la educación, la situación de la mujer en la sociedad, el arribismo y el esnobismo burgueses, la falsedad y la hipocresía y la capacidad de autoengaño humano.
Clasificación de sus obras:
a. Farsas: El médico a palos/ El enfermo imaginario/ Las preciosas ridículas
b. Comedias
b.1. Comedias de costumbres: Las escuela de mujeres (crítica de la educación social de la mujer y de los matrimonios impuestos)/ Las mujeres sabias
